Robert Indiana

ROBERT INDIANA New Castle, 1928 - Vinalhaven, 2018

Robert Indiana, una delle figure di spicco dell'arte americana sin dagli anni '60, ha svolto un ruolo centrale nello sviluppo dell'arte dell’assemblage, della pittura hard-edge e della pop art. Un autoproclamato "pittore americano dei segni", Indiana crea un corpus di opere molto originale che esplora l'identità americana, la storia personale e il potere dell'astrazione e del linguaggio. Stabilisce un importante lascito che risuona nel lavoro di molti artisti contemporanei che fanno della parola scritta un elemento centrale della loro opera. Robert Indiana nasce Robert Clark a New Castle, Indiana, il 13 settembre 1928. Adottato da bambino, ha trascorso la sua infanzia spostandosi frequentemente nello Stato. Il suo talento artistico è evidente già in tenera età e il suo riconoscimento da parte di un insegnante di prima elementare ha incoraggiato la sua decisione di diventare un artista. Nel 1942 Indiana si trasferisce a Indianapolis per frequentare l'Arsenal Technical High School, nota per il suo curriculum artistico. Dopo la laurea, trascorre tre anni presso la US Air Force e poi studia all'Art Institute of Chicago, alla Skowhegan School of Sculpture and Painting nel Maine e all'Edinburgh College of Art in Scozia. Nel 1956, due anni dopo essersi trasferito a New York, Indiana incontra Ellsworth Kelly, e su sua raccomandazione si stabilisce a Coenties Slip, un tempo uno dei maggiori porti sulla punta sud-est di Manhattan. Lì si unisce ad una comunità di artisti che sarebbe arrivata a includere Kelly, Agnes Martin, James Rosenquist e Jack Youngerman. L'ambiente dello Slip ha avuto un profondo impatto sul lavoro di Indiana e i suoi primi dipinti includono una serie di foglie a doppio ginkgo ispirate agli alberi del vicino Jeannette Park. Incorporò anche la forma di ginkgo nel suo murales “Stavrosis” (1958), una crocifissione composta da quarantaquattro fogli di carta che trovò nel suo loft. Al completamento di questo lavoro che Indiana adotta il nome del suo Stato natale. Indiana, come alcuni dei suoi colleghi artisti, ha cercato nei magazzini abbandonati della zona materiali, creando assemblaggi scultorei da vecchie travi di legno, ruote di metallo arrugginito e altri resti del commercio marittimo che aveva prosperato a Coenties Slip. Mentre crea opere sospese come Jeanne d'Arc (1960) e Wall of China (1960), la maggior parte sono costruzioni autoportanti che Indiana chiamava "herms" in ricordo delle sculture che servivano da segni di confine al crocevia nell'antica Grecia e Roma. La scoperta di stencil in ottone del XIX secolo porta all'incorporazione di numeri dai colori vivaci e di brevi parole caricate emotivamente su sculture e tele, e diventa la base del suo nuovo vocabolario pittorico. Indiana si guadagna rapidamente fama come uno degli artisti più creativi della sua generazione, ed è presente in influenti esposizioni a New York come New Media — New Forms alla Martha Jackson Gallery (1960), Art of Assemblage al Museum of Modern Art (1961 ) e The New Realists alla Sidney Janis Gallery (1962). Nel 1961, il Museum of Modern Art acquista “The American Dream, I”, il primo di una serie di dipinti che esplorano l'illusorio American Dream, consacrando Indiana come uno dei membri più significativi della nuova generazione di artisti pop che stavano eclissando i pittori di spicco della New York School. Sebbene riconosciuto come leader del Pop, Indiana si è distinto dai suoi colleghi pop affrontando importanti questioni sociali e politiche e incorporando profondi riferimenti storici e letterari nelle sue opere. Riferimenti letterari americani compaiono in dipinti come The Calumet (1961) e Melville (1961), esposti nel 1962 nella prima mostra personale di New York in Indiana, allestita presso la Stable Gallery di Eleanor Ward. Nel 1964 Indiana accetta l'invito di Philip Johnson a progettare un nuovo lavoro per il padiglione dello Stato di New York alla Fiera mondiale di New York, creando un cartello EAT composto da luci lampeggianti, e collabora con Andy Warhol nel film “Eat”, un ritratto muto di Indiana che mangia un fungo nel suo studio sugli Slip degli anni '80. La sua prima mostra personale europea ha luogo nel 1966 alla Galerie Schmela di Düsseldorf, in Germania, e presenta i suoi Numbers (1965), una serie di dipinti su un tema che ha esplorato in vari formati durante la sua carriera. Il 1966 segna una svolta nella carriera dell'Indiana con il successo della sua immagine LOVE, che era stata presentata in una mostra personale alla Stable Gallery. La parola LOVE, tema centrale del lavoro di Indiana, è apparsa per la prima volta nel dipinto “4-Star Love” (1961). L'amore è stato un argomento di grande significato spirituale per l'artista, illustrato dal dipinto “Love Is God” (1964), che è stato ispirato dalle iscrizioni nelle chiese che ha frequentato in gioventù. LOVE, selezionato dal Museum of Modern Art nel 1965 per la sua cartolina di Natale, permea rapidamente la più ampia cultura popolare e viene adottato come emblema della "Generazione dell'amore". Apparsa su un francobollo americano tra i più venduti (1973) e riprodotto su innumerevoli prodotti non autorizzati, la proliferazione dell'immagine ha portato, da un lato, a critiche negative e ipotesi errate dell'artista come se fosse svenduto. Tuttavia, la popolarità dell'immagine sottolinea ancora di più la sua grande risonanza con un pubblico vasto e diversificato ed è diventata un'icona dell'arte moderna. L'universalità del soggetto, a cui Indiana ha continuato a tornare, è ulteriormente evidenziata dalla sua traduzione di LOVE in AHAVA (ebraico) e AMOR (spagnolo). Nel 1978, Indiana sceglie di allontanarsi dal mondo dell'arte di New York. Si stabilisce sulla remota isola di Vinalhaven nel Maine, trasferendosi nella Star of Hope. Dopo un periodo trascorso a creare la sua casa e il suo nuovo studio, Indiana si rivolge a temi legati alla sua esperienza locale, lavorando su una suite di diciotto dipinti su larga scala noti come “The Hartley Elegies” (1989-94), ispirati ai dipinti dell'ufficiale tedesco di Marsden Hartley, che visse a Vinalhaven nell'estate del 1938. Usa anche oggetti trovati per creare sculture come Ash (1985) e Mars (1990), opere che riflettono il suo nuovo ambiente facendo anche riferimento al suo passato, e torna e amplia la sua serie degli American Dream, completando The Ninth American Dream nel 2001. Oltre ad essere un pittore e scultore, Indiana crea un numero significativo di stampe, tra cui il Numbers Portfolio (1968), una collaborazione con il poeta Robert Creeley, così come molte altre opere d'arte grafica, tra cui il poster per il apertura del New York State Theater, Lincoln Center (1964) e il poster per la mostra inaugurale del Hirshhorn Museum of Art (1974). Disegna scenografie e costumi per l'opera The Mother of Us All di Virgil Thompson e Gertrude Stein, presentata nel 1967 al Walker Art Center di Minneapolis e ampliata nel 1976 per l'Opera di Santa Fe in onore del bicentenario. Indiana ha anche creato altri progetti unici, come la progettazione di un campo da basket presso il Milwaukee Exposition Convention Center Arena nel 1977. Le opere d'arte di Indiana sono state esposte in numerose mostre personali e collettive in tutto il mondo e le sue opere sono presenti nelle collezioni permanenti di importanti musei come il Museum of Modern Art e il Whitney Museum of American Art di New York, la National Gallery of Art, l’Hirshhorn Museum and Sculpture Garden e lo Smithsonian Museum of American Art a Washington DC, la Albright-Knox Art Gallery a Buffalo - New York, il San Francisco Museum of Modern Art, la Menil Collection a Houston, il Currier Museum of Art, Manchester - New Hampshire, il Museo Ludwig di Colonia, lo Stedelijk Van Abbemuseum di Eindhoven, il Museo Ludwig di Vienna, l'Art Museum dell'Ontario di Toronto e l'Israel Museum di Gerusalemme. È stato anche incluso in numerose pubblicazioni internazionali ed è oggetto di numerose monografie. Nel 2013 il Whitney Museum of American Art ha ospitato la prima retrospettiva di New York dell'artista, Robert Indiana: Beyond LOVE, a cura di Barbara Haskell. Indiana è morto nella sua casa il 19 maggio 2018, poche settimane prima dell'apertura della sua retrospettiva sulla scultura presso la Albright-Knox Art Gallery.